Escrito por Gallego el 30 Enero 2007

Llevaba yo tiempo sin analizar un cómic, y en honor a la verdad he de decir que no he leído muchos estos últimos meses. Pero tal y como os comentaba en el artículo sobre la película de ‘300′, que llegará a los cines en las próximas semanas, me he hecho con el cómic en que ésta se basa, y tan pronto como he terminado de leerlo, acudo presto a daros mis impresiones completas sobre el mismo.

Quienes ya conozcan a Frank Miller sabrán qué pueden esperar de los cinco capítulos en que se divide esta obra: un uso muy sencillo del diálogo, basándose principalmente en la figura del narrador, y un dibujo algo austero, pero muy atractivo y poderoso, con planos poco refinados pero verdaderamente espectaculares. Y altas dosis de violencia, claro está, si no esto no sería lo mismo.

Como ya expliqué, esta obra es la adaptación personal que Frank Miller realiza de la batalla de Termópilas, un enfrentamiento bélico de la Antiguedad en el que 300 soldados de Esparta consiguieron refrenar el avance del inmenso ejército persa, compuesto por cientos de miles de soldados orientales dispuestos a destruir el por entonces glorioso Imperio griego. Capitaneados por el carismático rey Leónidas I, protagonista indiscutible del cómic, los 300 hoplitas espartanos se dedicarán a guerrar página tras página.

Con apenas 80 páginas, y una lectura bastante ligera en líneas generales, la obra puede dejar un pequeño gusto repetitivo en algunos momentos (pocos), pero lo cierto es que resulta tan interesante que con toda seguridad os lo leeréis en una sola sentada, gracias al alto nivel de intensidad que mantiene de forma constante. Y es que el ritmo narrativo resulta más que correcto, exceptuando quizás un final un tanto precipitado en mi opinión.

Creo poder decir que su lectura difícilmente decepcionará a cualquier aficionado al género que se acerque hasta él, pero también es cierto que su poca duración puede hacer que más de uno se sienta reticente a gastar su dinero en el tomo que actualmente se distribuye recopilando los cinco capítulos, y que no tendréis excesivos problemas en conseguir ahora que la película anda cerca. Las cuestiones económicas ya las dejo a la decisión de cada uno, pero lo que sí os puedo asegurar es que su calidad, tanto argumental como estética, es sobresaliente.

Esta novela gráfica incluye una serie de elementos altamente atractivos: una buena historia ambientada en la Grecia clásica, un protagonista carismático, un dibujo de calidad y escenas de acción a ritmo de “viñeta sí, viñeta también”; todo ello presentado con el toque genial que aporta este autor norteamericano. Verdaderamente épica de principio a fin… Una pena que el fin llegue tan pronto.

Escrito por Gallego el 10 Enero 2007

Ya he comentado otras películas del director alemán Wim Wenders, como la onírica ‘El cielo sobre Berlín’, pero si hay una obra por la que siempre se recordará a este cineasta, ésa es ‘Paris, Texas’, convertida en una verdadera obra de culto, que ha servido como inspiración para artistas tan dispares como Kurt Cobain, U2, Nada Surf o Texas, banda que toma su nombre de la película.

Un largometraje que, como el resto de la obra de Wenders, se aleja de los convencionalismos narrativos del séptimo arte, pero que al mismo tiempo presenta unos esquemas profundamente clásicos, dando como lugar una mezcla que no resulta atractiva de ver para la gran mayoría del público, pero que guarda para quienes se atrevan a verla hasta el final una profundidad y una intensidad más propias de una novela escrita que de una película.

Marcada desde el principio por la desgarradora guitarra de Ry Cooder, la cual sobrevuela la película de forma imperceptible pero sublime con magistrales composiciones que han acabado por convertirse en piezas inolvidables, este lento largometrajo nos narrará la historia de Travis (encarnado por Harry Dean Stanton), un hombre que parece haberlo perdido todo, y camina sin rumbo fijo por el desierto de Texas, hasta caer desmayado en un pueblo de mala muerte.

Aunque esto que acabo de explicaros sólo son los cinco primeros minutos de película, realmente no resulta conveniente intentar aventuraros nada más del argumento que, por otra parte, se despliega de forma bastante lenta y hasta incomprensible en algunos momentos. A partir de ahí, decenas de escenas cargadas de sentimientos de vacío, pesadumbre y negatividad. Sólo algunos momentos puntuales consiguen desprender un poco de positividad entre el tono grisáceo que rodea todo el filme.

Contribuye a aumentar la sensación de desasosiego el elegante y sobrio trabajo de fotografía realizado, contando con algunos planos verdaderamente dignos de ser recordados. Después de largos minutos en los que el director no parece pretender nada más que hundir nuestra moral, con una historia que tarda bastante en adquirir coherencia, se nos regalará uno de los finales más sencillos pero intensos que se recuerdan y una obra que dificilmente podrá ser olvidada.

No es divertida, ni pretende serlo, pero ‘Paris, Texas’ es una de las películas más intensas que tendréis el placer de ver, si su poco convencional desarrollo no os consigue echar para atrás. Aparentemente sencilla, pero profunda como pocas, una verdadera obra maestra, y con una banda sonora sencillamente fantástica.

Escrito por Gallego el 27 Diciembre 2006

Puede que este disco sea más conocido que los que suelo analizar, ya que me gusta comentar obras que puedan resultar novedosas para la mayor parte de lectores posibles. Pero llevaba tiempo queriendo hablar del que sin duda es uno de los álbumes más impresionantes de las últimas dos décadas, y con que sólo uno de vosotros lo escuche por primera vez a raíz de este artículo, habrá merecido la pena.

Rage Against the Machine, banda tristemente disuelta tras el abandono de Zack de la Rocha, su cantante, por incompatibilidades con los otros tres miembros, supuso uno de los golpes de frescura más intensos que recibió el mundo de la música durante los años noventa, en una explosiva mezcla de rock duro, hip-hop callejero y unas corrosivas letras que se convirtieron en la bandera de un notable activismo político, como hasta entonces no se había visto en otro grupo.

A título más personal, la llegada de esta banda también supuso una revolución drástica en mis gustos y pretensiones musicales, ya que éste fue el grupo que me hizo ver que el rock no acababa en las grandes bandas clásicas como Iron Maiden y Led Zeppelin, empezando así a oír y a disfrutar de discos más modernos e innovadores.

Pero centrándome ya en este compacto, el explosivo debut homónimo de esta agrupación de Los Ángeles, y que sin duda pasará a la historia por ser el mejor de los cinco que la banda lanzó al mercado en sus diez años de vida, habría tantísimas cosas que destacar en él, que podría dedicarles párrafos y más párrafos. Para mi gusto, lo más destacado de este ‘R.A.T.M’, y que se echó muy en falta en los sucesivos trabajos de la banda, es la rabia (”Rage”, en inglés) que desprende en cada una de sus diez canciones.

Oír a Zack pidiendo libertad a grito pelado en ‘Freedom’, o acusando a sus enemigos en ‘Know Your Enemy’, realmente consigue enceder los ánimos del oyente, tanto a favor como en contra de las indisimuladas letras de carácter revolucionario que tantos problemas de censura les supusieron en el País de la libertades. Pero independientemente de las ideas políticas de cada uno, el sonido directo de este disco, manteniéndose incansable hasta el último momento, tiene calidad suficiente para encandilar a cualquier amante del rock alternativo.

A parte de los dos temas antes mencionados, cualquiera de los restantes que conforman el tracklist de la obra podrían ser destacados por su extraordinaria calidad, como la conocidísima ‘Killing In The Name Of’, presente en la banda sonora del ‘GTA: San Andreas’ o la majestuosa ‘Wake Up’, canción de los créditos finales de ‘The Matrix’, y gracias a la cual los descubrí hace ya años.

Creo que pocos discos han conseguido combinar de una manera tan extraordinaria el virtuosismo técnico que muestran cada uno de los miembros de Rage Against The Machine, con el sonido más directo y sin florituras. Y es que muchas veces te encuentras grupos que, en su obsesión por alcanzar el máximo nivel técnico, se dejan por el camino la parte más emotiva y artísticas de la música; pero no es ése este caso. Este extraordinario trabajo es capaz de resultar tan complejo para los más exigentes, como accesible para los menos iniciados, encandilando a todos por igual.

A la vista de la puntuación, alguno podrá pensar que se me ha “calentado” la mano a la hora de poner nota a este álbum, pero puedo aseguraros que se la concedo con total convencimiento. Se trata, en mi opinión, del mejor disco de una de las mejores bandas de rock de los noventa (por no decir la mejor), uno de esos compactos de los que nunca podría prescindir en mi colección, y que podría oír una y otra vez sin cansarme. Toda la rabia del rock contenida en las notas y la voz de unos verdaderos e irrepetibles genios.

Escrito por Gallego el 18 Diciembre 2006

En el prólogo que el hermano de la autora realiza a esta obra puede leerse: “Yo daría este libro como lectura obligatoria a los jóvenes, desde la adolescencia en adelante, porque de verdad, cuenta una historia no inventada que muestra lo terrible de la droga”; y ahora que, a recomendación de Fuste, yo también me lo he leído, he de decir que estoy totalmente de acuerdo con la cita.

A pesar de lo que podría deducirse por la portada, en la que se muestra un dibujo que simula ser el de un niño, no es ésta en absoluto una obra infantil, y ni tan siquiera resulta cómoda de leer para una persona ya adulta, pues la fría y descarnada historia que en ella se nos cuenta es capaz de afectar al más insensible. Y todo resulta más dramático aún si tenemos en cuenta que se tratan de los hechos reales de una familia, que por desgracia son realidad en cientos de miles de familias de todo el mundo.

Y es que desde estas páginas, la periodista Raquel Heredia nos cuenta la historia de su hija Ada, una yonqui adicta a la heroína que acabó muriendo de SIDA tras años de sufrimiento, y sin llegar nunca a superar su drogodependencia. La novela relata aspectos verdaderamente íntimos y sobrecogedores de las vidas de todos los que tuvieron que sufrir alrededor de este heroinómana, desde su abuelo hasta sus propios hijos, pasando naturalmente por la propia autora de la obra.

Pero no os creáis que lo que busca la escritoria es provocar el morbo que siempre despierta la desgracia ajena en el ser humano, sino que más bien busca golpear directamente al lector, para hacerle consciente de hasta qué punto las drogas pueden llegar a destrozar la vida, no sólo del propio adicto, sino de familias enteras, que acaban por verse encerradas en una espiral de odio, enfermedad, mentiras y sufrimiento. Y todo ello narrado de forma directa y contundente, sin cortapisas a la realidad, resultando su mensaje así más demoledor aún, si cabe.

Es por ello que comparto la opinión antes citada de que obras así deberían incluirse en los programas de estudios, y no los infumables bodrios que muchos hemos tenido que soportar, y que más bien consiguen alejar a los jóvenes de la Literatura. Además, su lectura resulta rápida (son poco más de 200 páginas, con una letra a tamaño considerable) y engancha desde el primer momento, dejando al concluirlo un sabor amargo pero esperanzador en la boca.

Como habréis podido deducir por lo que ya he escrito, no se trata de una obra precisamente sencilla, pero sí altamente interesante de leer, invitando constantemente a la reflexión y a la concienciación del lector, tanteando tanto los aspectos más íntimos del problema de la droga, como los grandes intereses políticos y económicos que hay tras ésta. Una verdadera lección que todos deberíamos escuchar.

Escrito por Gallego el 26 Noviembre 2006

Ahora que, después de demasiados años de ruptura, los Smashings han decidido reunirse para volver a grabar un disco, el séptimo de su carrera, y el cual llegará según las últimas informaciones para Marzo del año que viene, creo que éste es un buen momento para recomendar algo de esta legendaria banda norteamericana liderada por el excéntrico Billy Corgan.

¿Y qué mejor para ello que este álbum doble, considerado como una de las piezas claves del rock de la década de los 90? A pesar de haber sido etiquetada desde siempre como una banda alternativa, este disco consiguió alcanzar el primer puesto en las listas de ventas de los USA, y el cuarto en las del Reino Unido. Y aún hoy, más de una década después de su publicación, sigue sonando tan sorprendentemente mágico como entonces.

Planteado según Corgan como una respuesta al inolvidable ‘The Wall’ de Pink Floyd, este emotivo recorrido por las sensaciones humanas bien podría ser considerado como una continuación de aquella otra pieza maestra de los de Cambridge. Dividido en dos partes, ‘Dawn to Dusk’ y ‘Twilight to Starlight’, este disco resulta a un mismo tiempo homogéneo y variado, pues aunque encontramos canciones que comparativamente resultan completamente diferentes, al escucharlo todo de una tirada realmente lo sentimos como una unidad sonora en la que todas sus piezas encajan a la perfección.

Desde que damos al play y la primera pieza, del mismo nombre que el disco, empieza a desplegar una sencilla pero bellísima composición de piano, comenzamos a sentir que este álbum no es una mera sucesión de canciones, puestas una detrás de otra para resultar lo más atractivas posible. Aquí no hay complejas composiciones destinadas a despertar la admiración del oyente, ni estribillos pegadizos pensados para ser tarareados.

‘Mellon Collie…’ es mucho más que eso, es una de las plasmaciones sonoras más fieles que se pueden encontrar de la tristeza, la alegría, el amor, la rabia, el miedo y el resto de sensaciones que conforman al ser humano. Y cuando el disco termina, cuando este despliegue de instrumentos al servicio de los sentimientos llega a su fin, sólo queda melancolía (Mellon Collie se pronuncia igual que “melancholy”, en inglés).

Aunque sería injusto intentar extraer canciones sueltas de este disco, donde todo su potencial está en el conjunto, sí que es cierto que cuenta con ciertas piezas verdaderamente extraordinarias, que se han convertido en verdaderos himnos para una generación entera. Desde las sucias notas de ‘Zero’, hasta el bello universo de ‘Thirty-Three’, pasando por la onírica ‘Thru the Eyes of Ruby’ y la magistral ‘Bullet with Butterfly Wings’; sólo cuatro ejemplos dentro de veintiocho temas que dan forma a un disco sencillamente imprescindible.

No es una tarea sencilla pretender analizar de forma escrita una obra cuya mayor virtud es la gran cantidad de sentimientos que es capaz de despertar en quien la escucha, llegando a tocar polos completamente opuestos en cuestión de minutos. No esperéis encontrar un disco brillante desde el punto de vista técnico, porque no lo hallaréis; pero si os aseguro que dificilmente vais a escuchar un álbum capaz de llegar más hondo que éste.

Escrito por Gallego el 24 Noviembre 2006

Llevaba tiempo sin comentar nada del maestro Miyazaki, un verdadero genio del cual ya he analizado previamente tanto trabajos suyos para el cine, como para el cómic. Y aunque es muy probable que este filme que ahora me dispongo a analizar haya sido visto ya por muchos de vosotros, ya que es una película bastante conocida, creo que merece la pena pararse a hablar un poco sobre ella.

Las obras del Estudio Ghibli, dirigido por el susodicho Miyazaki, podrían dividirse en dos clases bien diferenciadas: aquellas de carácter adulto y violento, en contraposición con otras más inocentes y hasta infantiles. ‘El viaje de Chihiro’ se engloba claramente en la segunda categoría, ¡pero que eso no sirva para asustaros! A diferencia de las películas infantiles a las que estamos acostumbrados en Europa, irremediablemente marcadas por el mal gusto de la factoría Disney, en Japón las cosas se hacen mucho mejor en este terreno.

Y esta preciosa fábula, claramente inspirada en la obra ‘Alicia en el país de las maravillas’ de Lewis Carroll, nos demuestra cómo, si se plantea de la forma correcta, una obra teóricamente destinada a los menores puede resultar atractiva y hasta apasionante para los más mayorcitos. Eso sí, es importante afrontar este largometraje con una mente lo suficientemente abierta a la imaginación y la fantasía para poder disfrutar de ella. En caso contrario, quizás deberíais plantearos vuestra forma de ver las cosas.

El argumento no resulta en absoluto complejo, y llega a resultar previsible por momentos, pero aun así consigue mantener nuestro interés durante todo momento, gracias sobre todo a la multidud de dispares personajes que formarán ante nosotros: brujas, sapos paralantes, bebés gigantes, fantasmas sin rostro y un larguísimo etcétera, que conforman un despliegue de imaginación como pocos vais a poder encontrar. Todo ello en un imposible mundo de fantasía hasta el que la pobre Chihiro se verá arrastrada sin saber cómo, y del que sólo podrá marcharse si averigua la forma de devolver a sus padres, que han sido convertidos en cerdos, su forma humana.

La película resulta a un mismo tiempo divertida y emotiva, sin estar por ello reñida con una calidad artística que llega a dejarnos boquiabiertos en algunos momentos. Ahora que tan de moda están los tremendísimos efectos visuales renderizados por ordenador, da verdadero gusto encontrarse con gente que sigue haciendo este trabajo a la antigua usanza, y encima de una forma infinitamente superior en todos los aspectos.

Y ya para terminar de redondear esta maravilla, destaca con luz propia la banda sonora que acompaña de forma impecable a cada escena. En general todas las obras de Ghibli suelen rallar a un altísimo nivel musical, pero en ‘El viaje de Chihiro’ las composiciones consiguen alcanzar un nuevo nivel. Lo único criticable, y eso sólo nos atañe a nosotros los españoles, es el pésimo doblaje con que cuenta la cinta. Una verdadera pena esto último, pero siempre nos quedará la versión original.

Si la etiqueta de “cine infantil” que acompaña a esta película no es capaz de hacer que te asustes, puedo asegurarte que no te arrepentirás de darle una oportunidad a esta genialidad del cine de animación oriental. Uno de los filmes más inspirados e inspiradores que se han visto en los últimos años, y con un final capaz de hacer emocionarse hasta al más insensible.

Escrito por Gallego el 13 Noviembre 2006

A pesar de los interesantísimos discos que este año nos ha ido dando, con regresos tan notables como los de Iron Maiden, The Mars Volta, Muse o Tool, por encima de todos esos nombres, el disco con que más impaciencia he esperado recibir este año ha sido éste, el quinto lanzamiento de estos californianos, desde que publicaran el prescindible ‘B-Sides & Rarities’.

Y no es para menos tanta expectación, pues estamos hablando de la que presumiblemente es la banda de nu metal más grande del momento, ahora que Korn se dedica a hacer el gilipollas, dicho pronto y mal. ¿Y ha merecido la pena esperar? Sin duda que sí, pues nos encontramos ante el que claramente es el disco más profesional y completo de su carrera, ampliando en varios enteros el espectro musical que hasta ahora habían seguido, en una muestra clara de madurez por parte del grupo.

Deftones ha sido desde siempre un grupo muy dado a la experimentación, a la innovación en mayúsculas; pero todo lo que habían hecho hasta ahora se queda corto en ese sentido, con respecto a lo que encontraremos en este compacto: ‘Pink Cellphone’ roza peligrosamente el pop electrónico, ‘Beware’ es probablemente el tema más progresivo que ha dado la banda y hasta encontramos un interludio instrumental titulado ‘U, U, D, D, L, R, L, R, A, B, Select, Start’, el nombre más freak que le he visto jamás a una canción.

El resto de pistas del compacto siguen en su gran mayoría el estilo de rock marcadamente más melódico y elaborado al que la banda se ha ido convirtiendo con el paso de los años, aunque encontramos un par de temas como ‘Rats! Rats! Rats!’ y, sobre todo, ‘Rapture’ que recuerdan claramente a esos ruidosos Deftones de digestión pesada que tanto disfruté en sus primeros discos, y que tanto echo de menos ahora.

Ponedle como guinda al pastel ‘Kimdracula’, una de las mejores canciones de la historia del grupo, y el resultado será uno de los discos de rock alternativo más completos que se han oído en los últimos años. La sensación final que el álbum da tras haberlo oído es de elaboración, de meticulosidad; no cuenta con temas pegadizos y que vayas a seguir tarareando durante horas, pero sí es lo suficientemente variado y completo como para poder escucharlo infinidad de veces sin cansar lo más mínimo.

Antes de encarar por primera vez este álbum, me conciencié a mí mismo de que los Deftones de la antigua escuela no volverían, que ésa es una fase que quedó en el pasado. Partiendo de esa premisa, he podido disfrutar de un disco verdaderamente polifacético, aportando cada una de las canciones del mismo algo nuevo e inexistente hasta ahora en anteriores trabajos de la banda. Una obra con muchas capas a analizar y a la que merece la pena escuchar detenidamente, pero en la que se echa en falta algún tema más rompedor.

Escrito por Gallego el 02 Noviembre 2006

Aunque por lo general gusto de comentar películas de perfil bastante extraño, o en cualquier caso poco conocidas, voy a hacer una excepción con este filme no muy ambicioso en sus planteamientos, pero con una particularidad que le hace ganar enteros en interés, al menos por mi parte. Y es que la trama de esta obra gira en torno a esa ciencia/arte/deporte que es el ajedrez.

Esta película del americano Steven Zaillian se basa en la historia real de Joshua Waitzkin, un niño prodigio cuyas extraordinarias capacidades le llevaron a convertirse en una de las mayores promesas del ajedrez a nivel mundial, aunque por unas razones u otras, finalmente no haya llegado a alcanzar el nivel que se le presuponía entre los más grandes.

Independientemente de eso, el largometraje, basado en la adaptación de una novela escrita por el padre del propio Waitzkin, nos cuenta los primeros pasos del extraordinario joven, desde que descubre los tableros viendo a los jugadores de ajedrez relámpago en Washington Square, hasta que comienza su imparable curso por los torneos juveniles de su país bajo la tutela de un Bruce Pandolfini interpretado por el siempre genial Ben Kingsley.

Como ya he dicho antes, no es ésta una película excesivamente ambiciosa, ni en su guión, ni mucho menos en sus apartados artísticos. No dejan de aparecer a escena los clásicos tópicos de toda película americana del estilo: el padre que se desvive por la pasión de su hijo, la madre que intenta evitar el trauma a la criatura por el empacho de fichas, el odioso niño repeinado que hace de “malo”, y que casualmente es entrenado por el viejo rival del mentor ajedrecístico del protagonista, etc. Pero con eso y con todo, la película resulta muy interesante de ver, mirad por donde.

Bueno, hay que reconocer que el hecho de ser un apasionado del ajedrez influye mucho en que este filme pueda llegar a gustarte, porque fuera de eso se queda en una americanada más, de la que pocas cosas cabrían por destacar excepto la ligera crítica que realiza a los padres que, obsesionados por obtener dinero explotando el talento de sus hijos, terminan por olvidar los intereses del niño en sí. Fuera de eso, y de los agradables planteamientos ofrecidos en torno al juego de guerra por excelencia, poco más para rascar.

Como ya he explicado antes, el mayor encanto que he podido sacarle a este filme es el interesante planteamiento que nos da del mundo del ajedrez, con especial mención a los guiños para el ya encontrado Bobby Fischer. Así pues, dudo que quienes no compartan esta afición vayan a encontrar mucho más que la típica historia del niño prodigio y su sueño americano ruso.

Escrito por Gallego el 26 Octubre 2006

El genial escritor noruego Jostein Gaarder pasará a la historia por su archiconocido relato titulado ‘El mundo de Sofía’, pero lo cierto es que este autor no se ha limitado a vivir de las rentas de una única obra famosa, sino que durante años se ha dedicado a crear una extensa colección de novelas de gran calidad destinadas a acercar el mundo de la Filosofía de forma amena a todo el mundo.

Y entre esos otros escritos menos conocidos, cabría destacar esta fantástica historia escrita un año antes de su célebre obra sobre la vida de Sofía Admunsen, con unos rasgos de obra divulgativa mucho menos acentuados, pero con una trama mucho más atrayente e imaginativa. Es ésta una novela cargada hasta arriba de imaginación y belleza, algo que asustará a aquellas personas que, confundiendo la madurez con la pérdida de la ilusión, la rechazaran por considerarla infantil. Un grave error, sin duda, pero tristemente común hoy en día.

Para quienes no se consideren lo suficientemente adultos y serios como para darle una oportunidad a obras que apunten directamente a su imaginación y a sus ganas de descubrir, irá destinada esta novela que nos relata el viaje del joven Hans Thomas y su padre, un filosofo noruego, desde su país de origen hasta Grecia, cuna de la Filosofía, donde ocho años atrás desapareció la madre y esposa de ambos con el pretexto de encontrarse a sí misma.

Pero a su paso por Suiza, en un pequeño pueblo de montaña, Hans recibirá un curioso regalo: un diminuto libro escondido en un trozo de pan, y que sólo puede ser leído por medio de una lupa mágica que un enano le regaló. En las reducidas páginas del curioso documento, nuestro protagonista se sumergirá en la historia de un marino a quien el naufragio de su barco le llevó hasta una extraña isla donde su vida cambiará por completo al conocer a las cartas de la baraja de forma viviente.

Así, la novela nos irá presentando dos historias paralelas y supuestamente ajenas, que irán entrecruzándose poco a poco. Por un lado, la supuesta realidad representada en el viaje de Hans y su padre, y por otro la fantasía del marinero perdido, girando ambas en torno a ideas y conceptos que nos darán mucho que pensar, como nuestra libertad para conocer el mundo que nos rodea, relacionarnos con él y vivir en consecuencia a nuestros ideales.

La obra nos hará pensar, pero haciendo uso de una historia muy bella y amena para tal fin, con lo que no llegará a hacerse en ningún momento densa o difícil de seguir. Aunque de aspecto infantil, el transfondo de este relato va dirigido absolutamente a cualquier persona que esté dispuesta a pensar por sí misma, más allá de las estúpidas apariencias que muchas veces nos empeñamos en imponernos sin entender muy bien por qué.

Uno de los libros más imaginativos e interesantes a los que he tenido la suerte de echar el guante, capaz de hacernos soñar con cada nueva página que avancemos, pero sin dejar de realizarnos constantamente inquisitivos planteamientos filosóficos que, a fin de cuentas, son planteamientos contenidos en toda mente humana. Extremadamente recomendado para cualquier persona y en cualquier momento.

Escrito por Gallego el 14 Octubre 2006

Quienes vengan siguiendo mis recomendaciones musicales desde hace tiempo quedarán sorprendidos (gratamente o no, eso ya depende de cada uno) con el análisis que ahora me dispongo a realizar, pues The Cat Empire no encaja en absoluto con el tipo de discos que suelo comentar aquí, siendo la gran mayoría de éstos de rock o metal, con muy contadas excepciones.

Y es que ciertos discos atesoran una calidad tan alta, que las clasificaciones genéricas que de ellos se hagan sobre el papel (o, en este caso, sobre la web), resultan totalmente irrelevantes. Y digo esto porque si yo ahora os hago una lista de los múltiples estilos musicales que se entremezclan a la perfección en este álbum, más de uno y más de dos arrugarán la nariz con desprecio, cuando lo cierto es que sería un error menospreciar a esta genialidad por ello.

Aunque es difícil, voy a intentar definir este álbum: es una mezcla de jazz y rock, con toques de funky, ska y algo se salsa. ¿Es posible fusionar más? No lo sé, pero el resultado de todo ello es incuestinablemente bueno y agradable a cualquier oído libre de prejuicios, y dispuesto a disfrutar de la música por su calidad artística y no por el género que la define. El trabajo de estos australianos es bueno, muy bueno, es original, agradable y ligero de oír, sin excesivas complicaciones pero con mucha maestría.

A lo largo de trece canciones, se realizará un genial despligue de guitarra, trompeta, piano, violín, cello, batería y otros tantos instrumentos, dando lugar a canciones extremadamente pegadizas, variadas y originales. Compuesto como un tributo a la ciudad natal de estos músicos, Melbourne, cabría destacar entre el repertorio a temas como ‘Down on the 303′, ‘Song for the Day’ o la sencillamente genial ‘Anymore’.

Cierto es que presenta algunos altibajos o momentos prescindibles, pero no son ni tantos ni tan llamativos como para empañar la notable calidad de la obra, una de las más gratas sorpresa (musicales) que me he llevado este año. El disco es verdaderamente adictivo, pues llama a esucharlo una y otra vez, y a seguir tarareándolo sin remisión al acabar de disfrutarlo. Bien merece convertirse en una excepción entre colecciones de estilos musicales alejados a éste.

Sin duda, este álbum supondrá todo un descubrimiento para aquellos que se atrevan a darle una oportunidad, por la frescura, originalidad y desenfado a la hora de hacer música que demuestra este sexteto. Un disco que no pretende ser más de lo que es: música ligera pero de gran calidad. En serio, escuchadlo.