Escrito por Gallego el 26 Julio 2006

Cada vez más, tengo la sensación de que cuanto mejor es una película, a un menor número de gente gustará ésta, al tiempo que para la gran mayoría pasa a convertirse en un tostón infumable. Esas películas que te apasionan o las odias, ésas que requieren todo el interés del espectador para no convertirse en soporíferas, ésas son las que a mí más me gustan (estoy así de mal, qué queréis que le haga).

Y “El cielo sobre Berlín”, legendaria película del afamado Wim Wenders, es el mejor ejemplo de este tipo de cine del que os hablo. Para empezar, durante más de la mitad de la película nos encontraremos con que ésta apenas tiene un argumento definible, ni una serie de diálogos que nos expliquen de forma clara de qué trata lo que estamos viendo, salvo alguna conversación puntual. En lugar de eso, nos encontraremos observando las idas y venidas de un ángel por la ciudad de Berlín, quien al igual que sus semejantes, se dedica simplemente a escuchar los pensamientos de la gente corriente, y a reconfortarles cuando así lo necesiten.

Así pues, durante los primeros compases del filme, simplemente nos encontraremos con los pensamientos aislados de los humanos que, sin saberlo, están siendo observados, todo ello rodeado de unas poéticas imágenes y de unas composiciones musicales verdaderamente buenas. Pura poesía cinematográfica, algo tan extraño y diferente, que hará de esta película una obra vedada a un público verdaderamente reducido. El director aprovechará este tiempo para realizar una inquietante y triste reflexión sobre la situación en que quedó la sociedad alemana tras la terrible herida que le infringió la Segunda Guerra Mundial, aunque mantieniendo siempre una base de optimismo en el aire.

No será hasta que el ángel protagonista, soberbiamente intepretado por Bruno Ganz, se enamore de una atractiva trapecista de circo cuando se empezará a desarrollar levemente una pequeña trama, que una vez más sigue siendo una excusa para obsequiarnos con decenas de reflexiones sobre la vida, el amor y el ser humano, tanto por medio de palabras como de imágenes. Cierto es que en ocasiones, dichas divagaciones poéticas más bien se convierten en incomprensibles desvaríos que casi no hay por dónde coger, pero en líneas generales dan lugar a una obra verdaderamente interesante y bella, muy lenta pero gratificante de ver. Por cierto, gracias a Fuste por su recomendación (si no lo decía, íbamos a tener un disgusto xD).

Una película plagada de imágenes bellas y reflexivas, con una dirección para quitarse el sombrero, aunque de un ritmo extremadamente lento y melancólico. Para quienes estén dispuestos a pasar por encima de eso, y a disfrutar de una hora y media de un cine verdaderamente artístico, que no duden en darle una oportunidad.

Escrito por Gallego el 18 Julio 2006

En la contraportada de la edición española de este libro se puede leer: “‘El curioso incidente del perro a media noche’ es una novela que no se parece a ninguna otra”, y creo que no se podría iniciar un artículo sobre esta obra de mejor forma. No se trata de literatura juvenil ni para adultos, no es una historia ni simple ni complicada. Sencillamente, este libro es como su protagonista: diferente.

Se trata de la primera obra del ya popular Mark Haddon, quien se basa en sus experiencias con niños autistas para contarnos la historia de Christopher, un chico de 15 años que sufre el síndrome de Asperger. A pesar de poseer una inteligencia extraordinaria y una memoria excelente, Christopher tiene problemas para relacionarse con su entorno y para comprender a las personas, derivados de su enfermedad psíquica. La trama comienza a desarrollarse cuando una noche se encuentra muerto al perro de su vecina en extrañas circunstancias, lo cual le motivará a iniciar una investigación emulando a Sherlock Holmes, su ídolo literario.

En la práctica, dicho planteamiento se convierte en una mera excusa para sumergirnos de lleno en la compleja y apasionante mente de Christopher. Con el paso de las páginas, iremos viendo el mundo como él lo ve, sintiendo las cosas como él las siente, razonando como él razona, y todo ello gracias a un magistral trabajo narrativo del autor, quien consigue combinar de forma eficaz la ternura, la dureza y el humor. El libro se lee realmente rápido y fácil, pero no por ello deja de calar en el lector, y de resultar muy interesante. Quizás pierda un poco de fuelle en los últimos capítulos, pero igualmente se convierte en una lectura muy recomendable y capaz de convencerte, sean cuales sean tus gustos literarios.

Valoración final:

A pesar de que en algunos sitios se la califique de “imprescindible”, creo que, sin ser para tanto, esta novela resulta un buen entretenimiento, así como un interesante acercamiento a personas con enfermedades tan particulares como la que sufre el protagonista. Ideal para estas tarde de verano sin nada mejor que hacer.

Escrito por Gallego el 14 Julio 2006

Aunque A Perfect Circle empezara siendo un proyecto paralelo de Tool, hoy en día y después de haber editado ya tres álbumes, se podría decir que esta banda de rock alternativo se ha convertido en un ente independiente. Y es que la calidad técnica y artística que esta variable formación demuestra en cada una de sus composiciones hace quedar como meros aficionados a cualquier otra banda de rock.

“Mer de Noms” es el primero de los discos que esta gente ofreció al mundo, y es en mi muy humilde opinión el mejor que han compuesto. Sólo con leer los nombres de los artistas que se juntaron para su creación, la cosa ya era para echarse a temblar: Maynard James Keenan de Tool, Josh Freese de The Vandals o Billy Howerdel, quien trabajó para grupos de la talla de The Smashing Pumpkins, Nine Inch Nails o Faith No More, a quienes se fueron sumando otros músicos de igual calibre.

Y claro, los resultados no tardaron en hacerse esperar: doce canciones verdaderamente espectaculares, complejas, y con un nivel compositivo sencillamente perfecto. Os aseguro que vais a poder disfrutar de pocos discos de rock rallando al nivel que éste lo hace, resultando a un mismo tiempo original y clásico; diferente y tradicional. No es en absoluto un rock innovador y rompedor el que hace esta banda, pero sin embargo tendréis la sensación de no haber oído nada igual hasta ahora, de que no hay nada comparable al “mar de nombres” en que este álbum nos sumerge.

Sean cuales sean tus gustos musicales, A Perfect Circle se merece que le des una oportunidad, y no hay mejor forma de empezar a hacerlo que con este compacto. Pero eso sí, os aviso de que engancha una barbaridad, y que os hará sentir que la mayoría de discos que habéis oído hasta ahora en realidad resultan pobres y poco inspirados. Os será difícil sacaros de la cabeza canciones como “Thinking Of You”, “Breña” o “Judith”, sólo tres ejemplos dentro de un repertorio difícilmente superable.

Valoración final:

Esta obra hará disfrutar tanto a los que gusten de un sonido limpio y pegadizo, como a los que disfruten con composiciones complejas y trabajadas. Una sabia combinación de elementos que sólo es posible cuando se únen músicos de esta magnitud, dando lugar a uno de los mejores álbumes que se han editado en lo que llevamos de siglo. Un discazo con todas las letras.

Escrito por Gallego el 08 Julio 2006

No soy muy dado al cine de intriga, de ese que nos habla de un asesino y una serie de crímenes a resolver, pues por lo general éste me parece predecible, fácil y poco interesante. Pero como en todo, hay sanas excepciones que te impiden generalizar. Y “Freeze Frame” bien podría ser considerada como una excepción muy válida entre los miles de thrillers de este estilo que se han producido.

Y es que lo más interesante de este debut en la gran pantalla de John Simpson no es la trama en sí, sino la desquiciante y opresiva sensación que el filme consigue transmitir al espectador, gracias a un inteligentísimo trabajo de fotografía y a una actuación verdaderamente digna por parte del actor protagonista, Lee Evans. En cierto modo, el ambiente paranoico de la película me ha recordado (salvando las distancias) al de la magistral “Pi, fe en el caos”, de Darren Aronosfy.

El mero planteamiento inicial de la trama ya resulta paranoico donde los haya: Sean Veil es el sospechoso de un terrible asesinato del que fue absuelto 10 años atrás por errores en la investigación, lo cual hace que ante la sociedad siga siendo visto como el culpable. Con el fin de protegerse de futuras acusaciones y demostrar su inocencia en cualquier otro crimen del que pudieran acusarle, Sean decide grabar cada minuto de su vida. Para ello, se encierra a vivir en una nave abandonada llena de cámaras, e incluso llega a diseñar un dispositivo para llevar siempre encima uno de estos aparatos enfocándole. Pero con el paso de los años, los problemas volverán a su vida cuando se le incrimine en otro homicidio del que, misteriosamente, desaparecen las cintas que podrían exculparle.

Un punto de partida verdaderamente surrealista y original, que irá perdiendo algo de fuelle con el avance de la trama, llegando a caer en los hastiosos tópicos del género. Fuera como fuese, el largometraje consigue resultar lo suficientemente interesante como para que no nos aburramos con él, pues los giros argumentales resultan bien escogidos y situados a lo largo del mismo. No es en absoluto el thriller de intriga definitivo, pero gracias a una buena dirección y los interesantes juegos de luces y cámaras, llega a crear en el espectador una sensación de tensión y agobio meritoria.

Valoración final:

Podríamos definir a esta película como la típica historia de intriga enmarcada en un planteamiento y una estética nada convencionales. Son precisamente estos dos últimos puntos los que hacen de ella una obra interesante de ver, en mi opinión. Pero tampoco esperéis encontrar mucho más.

Escrito por Gallego el 06 Julio 2006

Lagartija Nick es, con toda probabilidad, el grupo más extraño y diferente que ha dado el rock nacional. En sus ya 15 años de historia, las variaciones en la formación y en la música realizada han sido una constante en la banda, y probablemente uno de los discos claves en sus múltiples cambios y experimentaciones sea este “Val del Omar”, un tributo a ese desconocido cineasta granadino.

Este trabajo resulta tan difícil de analizar como de escuchar, pues absolutamente todo en él escapa a las concepciones musicales más clásicas. El disco nos embarcará en un viaje onírico, surrealista, sucio, psicodélico, rescatando así los valores básicos del poco conocido Val del Omar, en cuyos textos están basadas las letras de todas las canciones que podremos oír. Lagartija Nick no pretende que este compacto sirva como mero entretenimiento sonoro, no se trata de una simple sucesión de temas compuestos con el fin de crear música. Esta obra es mucho más que eso, es un intento de exploración en conceptos de la mente humana, es una experimentación cuyos resultados no paran de sorprendernos a lo largo de la audición.

Aunque todo esto pueda sonar a palabrería bonita pero vacía, realmente es ésa la sensación que tengo varios meses después de haber empezado a oír este disco. Nos invita a formar parte de él mientras lo escuchamos, a seguir pensando en él cuando acaba, y a buscar información sobre lo que hemos pensado después. Y eso es algo que me ha pasado con muy pocos álbumes, os lo aseguro. Buena parte de esta exigencia que el disco hace de nosotros viene dada por los cambios tan bruscos de géneros y estilos que nos encontramos en él, pues sus creadores no se amedrentan lo más mínimo a la hora de añadir a su sucio rock alternativo elementos del techno, el pop o el cyberpunk. Es precisamente esta mezcla, incoherente por momentos, lo que hará que este disco sea del gusto de bien pocos, pero que al mismo tiempo le otorga tanto valor al trabajo artístico de sus creadores.

Valoración final:

Sin duda, éste es uno de los álbumes más extraños e innovadores que vais a poder oír en castellano. Un verdadero alarde de psicodelia, delirante hasta la última nota, ruidoso por momentos, pero con una calidad artística fuera de toda duda. De lo mejorcito que podéis echaros a la cara, al menos si estáis hartos de oír siempre lo mismo.

Escrito por Gallego el 04 Julio 2006

El hecho de saber que era Andrew Niccol (director de “Gattaca” y guionista de “El show de Truman”) quien estaba detrás de este filme ya lo convertía en tremendamente sugerente para mí. Si le sumamos que la temática tratada es tan interesante y polémica como el tráfico de armas, la cosa empieza a prometer verdaderamente. Y después de haberla visto, puedo decir que no decepciona.

El filme nos pone en la piel de un Yuri Orlov notablemente interpretado por Nicolas Cage, quien nos relatará desde una voz en off su propia y truculenta historia. Perteneciente a una familia de inmigrantes ucranianos en Estados Unidos, Yuri verá en el tráfico de armas el modo más rápido y eficaz de empezar a conseguir dinero y poder, aunque las cosas no comiencen tan bien como él esperaba. Con la caída de la Unión Soviética y el fin de la Guerra fría, un nuevo e inexplorado mercado se abrirá ante él: el del robo de las armas abandonadas por los soviéticos para su venta en África. A partir de aquí, la historia nos irá narrando las aventuras y desventuras de este despiadado comerciante de la muerte, quien irá codeándose con los más terribles dictadores y traficantes de las últimas décadas. Aunque no os esperéis la típica defensa y autojustificación de los norteamericanos, porque os sorprenderá ver que también éstos se llevan su ración.

Uno de los aspectos más impactantes de la obra son los cambios de ritmo tan bruscos a los que ésta nos somete de manera constante: tan pronto estamos sufriendo ante una dramática escena, como nos encontramos al siguiente cambio de cámara con un planteamiento cómico y hasta surrealista. En realidad, el director consigue con ello marcar aún más al espectador, hacerle consciente de la barbarie desde un punto de vista satírico. Éste es sin duda el factor más fuerte de una película verdaderamente interesante y dura por momentos, aunque sin necesidad de recurrir a escenas particularmente explícitas para conseguirlo.

En conclusión un largometraje que se las prometía polémico a raíz de lo que había leído de él, y que sin resultar tan tremendista como yo me esperaba, sí que consigue tocar la fibra del espectador y dar que pensar. Creo sinceramente que podría habérsele sacado mucho más jugo a la temática, y aunque el director se moje bastante, no dejas de tener la sensación de que pretende dar una mera lección moral (acertada por otro lado). Sin duda que una mayor profundida en la historia de los protagonistas hubiera resultado de agradecer, pues durante ciertos momentos de la película, ésta no se muestra más que como una sucesión de situaciones más o menos dramáticas pero casi ajenas a la trama.

Valoración final:

“El señor de la guerra” es una obra que impresiona por el poco respeto que el director muestra a lo que podríamos llamar políticamente correcto, ya que no parece temblarle el pulso lo más mínimo a la hora de intentar poner en su sitio a todos los integrantes del inmenso negocio que es el tráfico de armas, desde los reconocidos como malos, hasta los que supuestamente son buenos. No es sencilla, no es divertida y no es en absoluto para pasar el rato; pero es probablemente la mejor película que se ha estrenado en lo que llevamos de año.

Escrito por Gallego el 01 Julio 2006

Aunque el genial Hayao Miyazaki haya empezado a hacerse verdaderamente conocido en Occidente sobre todo a raíz de sus últimos éxitos cinematográficos, como “El viaje de Chihiro” o “El castillo ambulante”, lo cierto es que este artista tan famoso por sus películas tiene una carrera previa verdaderamente interesante, entre la que se cuenta este estupendo manga.

Aunque también cuenta con una notabilísima adaptación a la gran pantalla, la cual no ha llegado a aparecer por nuestras tierras, la historia que Miyazaki comenzó a escribir en el año 1982 (y ha llovido desde entonces) llega mucho más lejos de lo que lo hace la película, debido al hecho de que ésta fue creada cuando el cómic aún no había terminado de escribirse. Y aunque el revuelo que supuso en su época una obra tan adulta entre una sociedad acostumbrada al manga “infantiloide” no lo sea tanto hoy en día, este cómic sigue atesorando una altísima calidad, convirtiéndolo en una de las mejores historias que he tenido la suerte de leer.

Nausicaä es la joven princesa del Valle del Viento, un pequeño reino de un supuestamente futuro mundo en el que un gigantesco bosque llamado “la zona contaminada” ocupa casi toda la tierra, con la particularidad de que éste impide la vida en su interior de prácticamente cualquier ser excepto de los insectos y los propios árboles del mismo. Esta opresiva situación a la que la humanidad se vio abocada sin saber muy bien cómo tras la llamada “Guerra de los siete días de fuego”, acontecida muchos años antes de esta historia, ha provocado que los hombres se encuentren en una continua disputa bélica por la posesión del territorio libre de contaminaciones.

En medio de esta incontenible situación surgirá la anteriormente mencionada Nausicaä, la única persona capaz de ver la belleza que hay más allá de las esporas y los insectos de la zona contaminada, y con un carisma y unas habilidades tan particulares que le harán convertirse en la pieza clave de la guerra. Sin embargo, lejos de los oscuros intereses que mueven a los otros líderes, la máxima ambición de la joven es averiguar el origen del horrible bosque, a fin de conseguir detener su expansión. Nausicaä se convierte así en un bastión de defensa de la naturaleza frente a la amenaza humana, un tema muy del gusto de Miyazaki y que puede apreciarse en otra de sus grandísimas creaciones, “La princesa Mononoke”.

El planteamiento inicial ya resulta interesante de por sí, pero conforme avancemos por las páginas, la historia irá ganando enteros en calidad, llegando alcanzar unos tintes épicos como he visto en pocos mangas. Ya la misma protagonista, inspirada en la Nausicaä que Homero creo para “La Odisea”, logra convertirse en unos de los personajes más carismáticos, sorprendentes y profundos que hayáis podido ver, y conseguirá que su historia y la de todo su mundo llegue a calarnos de manera verdaderamente profunda. Todo un grito en favor del respeto a la naturaleza y a la vida, enmarcado en una historia dura y en absoluto sencilla. Miyazaki es un creador de contrastes, y tan pronto nos entrega una historia marcadamente infantil, como se lanza sin tapujos a la más pura violencia, y este manga está claramente incluído en el segundo grupo.

Termina de redondear la obra un dibujo verdaderamente preciosista y detallado al extremo, tanto en lo que corresponde a los personajes como a los escenarios. Resulta muy bonito y, sobre todo, muy imaginativo, consiguiendo hacernos creer que realmente el mundo de Nausicaä existe, que está vivo. Sin duda que esto contribuye aún más a zambullirnos en la que es ya de por sí una historia atrayente como pocas. Seis tomos editados en lectura japonesa por Planeta DeAgostini que harán las delicias de los amantes de este arte oriental por su sobresaliente calidad en todos los apartados.

Valoración final:

Una trabajo sin ningún punto débil que resaltar, y capaz de combinar como sólo los genios saben hacer el drama, la ternura, la tensión y la belleza. Os aseguro que vais a encontrar pocas lecturas tan satisfactoras y enriquecedoras como las que os ofrecerá esta obra de arte.

Escrito por Gallego el 26 Junio 2006

Hablar de Deftones es hablar de uno de los grupos que más ha influenciado y repercutido en mis gustos musicales. Realmente, se podría decir que hay un antes y un después en mi forma de entender la música a raíz del momento en que descubrí a este grupo y a Rage Against The Machine. Pero hoy voy a hablar de los primeros, reservando a los desaparecidos RATM para otro momento.

De los cinco discos que esta formación californiana ha publicado, creo que el más meritorio y espectacular es este “Adrenaline”, el primero de su carrera. Dista mucho del alto grado de perfeccionismo técnico del “Deftones”, y tampoco anda cerca en lo que a calidad compositiva se refiere del “White Pony”, pero creo que este álbum tiene algo especial, y que no se ha visto (u oído) en ninguna otra obra posterior del grupo. O quizás sea cosa mía.

“Adrenaline” es un disco duro, sucio, extraño… en fin, un fiel reflejo de las señas de identidad de uno de los grupos de metal alternativo más incalificables y revolucionarios que se han visto en años. Para quienes no estén acostumbrados a este quinteto, una primera audición podría dar la impresión de encontrarnos ante poco más que instrumentos tocados de forma ruidosa e inconexa; pero en los sucesivos acercamientos al compacto, iremos descubriendo un sonido verdaderamente impresionante y elaborado, en el que los integrantes de la banda combinan perfectamente su trabajo para dar lugar a uno de los mejores álbumes de nu-metal de todos los tiempos. Realmente no hay canción mala en el disco, pero sobresalen por su especial calidad “Root”, “7 Words” y la majestuosa “Bored”.

Un último aviso para navegantes: Deftones visitará España durante el próximo mes de Julio. Más concretamente Bilbao el viernes 14 (en el Bilbao Live Festival) y Almería al día siguiente (en el Natural Rock Festival), durante los cuales compartirán cartel con pesos pesados de la talla de Placebo, Blue Oÿster Cult, o unos Guns ‘n Roses que ya no son ni una mísera sombra de lo que fueron.

Valoración final:

Un trabajo espectacular hasta el último segundo, y que fue capaz de hacerme ver que el metal no se acaba en el heavy clásico. Uno de esos discos que merecen una posición privilegiada en la colección de los que sepan apreciar la música auténtica en sí, y no se dejen guiar por estereotipos prefabricados.

Escrito por Gallego el 23 Junio 2006

Cuando leí por primera vez la sinópsis de esta película, me quedé perplejo al descubrir que alguien se hubiera atrevido a tratar de forma abierta un tema tan tremendamente delicado como la pederastia. Está claro que David Slade no ha optado por lo sencillo para su opera primera, pero la maestría con la que todos sus elementos están combinados da lugar a un drama vibrante y espectacular.

El filme conseguirá herir la sensibilidad del espectador, pero no por la temática tratada, sino por el impresionante guión y la suprema dirección, destinadas a conseguir una película capaz de mantenernos en la más absoluta tensión hasta el último minuto. En el momento que la trama arranca, no nos concenderá ni un segundo de descanso, a pesar de que todo gire entre dos protagonistas y un único escenario.

“Hard Candy” nos presenta la historia de Hayley, una chica de 14 años de edad que se cita en una cafetería con Jeff, un adulto 18 años mayor que ella, y al que había conocido unos días antes por el chat. Después de flirtear durante unos minutos, acaban dirigiéndose a la casa del segundo, donde después de tomar unas bebidas, éste cae inconsciente. Al despertar, se encuentra atado a una silla, con la aparentemente inocente chica dispuesta a averiguar qué pasó con Donna Mauer, otra adolescente que desapareció hace unos días en el mismo café en que se citó con Jeff.

A partir de aquí comienza a desarrollarse un filme cuyo mayor potencial está en la soberbia interpretación de sus dos protagonistas, sobre todo por parte de la jovencita Ellen Page. Un impresionante duelo plagado de momentos duros e incluso ofensivos para el espectador, todo ello bajo un guión que no se conforma con caer en los habituales clichés, y que consigue llegar más allá, golpeando salvajemente la moral del espectador. Una película verdaderamente complicada de ver, en absoluto apta para cualquier público, pero que nos brinda uno de los duelos más dramáticos que se recuerdan en los últimos años.

Valoración final:

No es por casualidad esta película sea la ganadora de los premios a mejor película y mejor guión del Festival Internacional de Sitges. Nos encotramos ante una cinta tan dramática y desquiciante, como espectacular y compleja. Especial mención, una vez más, para la sobresaliente labor de los dos protagonistas.

Escrito por Gallego el 16 Junio 2006

Tres años después del laureado “Absolution”, Muse vuelve a la carga con el lanzamiento de “Black Holes & Revelations”, sin duda uno de los discos más esperados del año. Cuando un grupo llega a niveles tan altísimos como los que ha alcanzado este trío británico, es imposible no mirar con lupa su regreso a la pista central. Y más aún cuando se proponen pegar un cambio tan drástico en su música.

Con la publicación del primer single, de título “Supermassive Black Hole”, ya comenzó a tejerse la polémica en torno a este lanzamiento. Y es que en la canción podíamos apreciar un abandono casi total de los sonidos rockeros que han hecho famosa a esta formación, presentándonos en cambio ritmos más propios de la música pop y dance al estilo Depeche Mode. La llegada unas semanas después de “Knights of Cydona”, el segundo adelanto del disco, me devolvió la fe en este trabajo que estaba por llegar.

A la postre, esta paranoica y espectacular “Knights of Cydonia” ha resultado ser, en mi opinión, la mejor pieza de un disco verdaderamente irregular y demasiado “alegre” para los que estamos familiarizados con la obra previa de Muse. Reconozco que me parece verdaderamente elogiable que un grupo que se encuentra en la cima de su carrera sea capaz de barrerlo todo de un plumazo, atreviéndose a redescubrir su música de una manera tan drástica. Pero estos experimentos no siempre salen como uno espera. En líneas generales resulta un buen compacto, agradable y ligero de oír, pero que queda muy por debajo de sus anteriores trabajos.

Valoración final:

No resulta sencillo valorar este sorprendente giro en la carrera de Muse, pues aunque la esencia del grupo permanezca viva en el disco, la gran cantidad de sonidos nuevos e inesperados casi parecen hablar de otra banda. Quienes ya los conocieran deberán darle una oportunidad, pero con una mente muy abierta; y quienes quieran empezar a disfrutarlos, mejor que lo hagan por cualquiera de sus obras previas.