Escrito por Gallego el 22 Mayo 2006

Si me preguntarais cuál es mi género literario favorito, os diría que no tengo ninguno y que la temática tratada en un libro me es indistinta a la hora de lanzarme a leerlo. Pero de lo que sí podría hablar es de lo que espero que una novela me ofrezca para gustarme: que me haga pensar, que tenga un mínimo de profunidad y, a poder ser, que me cambie aunque sea un poco tras haberla leído (aunque esto último queda reservado para los mejores). Pues puedo decir con la boca grande que “El mundo de Sofía” cuenta con esos tres elementos, por lo que pasa a la lista de títulos que me han encantado.

A pesar de que es con mucho la obra más conocida de Jostein Gaarder y, por tanto, suele ser la primera aproximación que la mayoría de lectores hacen al escritor noruego, para mí ha sido la cuarta novela escrita por él que he tenido la suerte de leer. Para bien o para mal, se trata de una lectura obligatoria muy habitual en las escuelas, y como ya se sabe que todo lo que intenta “meterse por la fuerza” suele desagradar, ocurre que muchas de las personas que lo han conocido de esta forma le han cogido manía. Pero yo, que me puse con él de forma voluntaria tras descubrirlo lleno de polvo en la estantería del Fuste, he disfrutado como un cochino.

El planteamiento inicial de “El mundo de Sofía” es bastante sencillo: una joven llamada Sofía, que está a punto de cumplir 15 años, comienza a recibir por correo un curso de filosofía de un desconocido que se hace llamar Alberto. Así, durante los primeros capítulos, la tónica general del libro será la de un interesante análisis de la historia de la filosofía, siendo la trama de Sofía un mero pretexto para que éste se desarrolle. Eso está bien, pero Gaarder no se conforma con un argumento tan lineal, por lo que poco a poco la historia de la joven estudiante comenzará a ganar en peso a raíz de una serie de acontecimientos aparentemente inexplicables que irán rodeando al misterioso curso de filosofía.

Naturalmente, no voy a contaros más para no estropearos nada de una historia que irá ganando en interés de manera exponencial a cada página que avancemos, alcanzando en sus últimos capítulos esa mezcla de preciosidad y surrealismo a los que Gaarder nos tiene acostumbrados. En un principio los protagonistas no son más que meros vehículos encargados de hacernos llegar un resumen sobre la historia de la filosofía, pero con el desarrollo de sus historias iremos adquriendo un apego tan grande hacia estos que llegaremos a emocionarnos profundamente con el final de la obra.

No esperéis encontrar un libro sencillo de leer, ya que las partes del curso filosófico pueden llegar a hacerse muy densas por momento, requiriendo una atención extra por parte del lector. Pero precisamente esto, el hecho de que hayan páginas que precisen de dos o tres lecturas para ser comprendidas plenamente, lo cual puede ser un fastidio tremendo para alguno, a mí me hace valorar aún más esta novela. Para entrar en el mundo de Sofía Admunsen y de toda la filosofía occidental tendremos que pensar, y mucho, pero merece la pena. Al comienzo del artículo hablaba de lo que mucho que valoro el que un libro pueda cambiarme aunque sea un poquito, y creo poder decir que mi forma de ver el mundo no es la misma que tenía cuando empecé a adentrarme en esta preciosa novela.

PD: Fuste, ¿me lo regalas? ^_^

Valoración final:

La filosofía es mucho más que la aburrida asignatura de letras que nos impartieron en el instituto, la filosofía es una ciencia que nos enseña a abrir nuestra mente y a pensar por nosotros mismos, alejándonos de la dictadura monocanal que hoy en día ejercen los medios de comunicación sobre nosotros. Si eres de los que piensa como yo, si estás dispuesto a pensar por ti mismo y a disfrutar de una novela densa pero mágica, “El mundo de Sofía” te llenará.

Escrito por Gallego el 21 Mayo 2006

Las matemáticas siempre han sido una de mis grandes (y más incomprendidas) pasiones, y el hecho de que haya una película que trate tan profundamente un tema como éste resulta una verdadera delicia. ¿Significa eso que si eres un enemigo acérrimo de las ciencias exactas no vas a poder digerir este filme? No necesariamente, pero está claro que eso es algo que influye mucho.

El propio título de la película ya refleja de manera muy fiel qué es lo que nos vamos a encontrar en ella: matemática y caos, muchos caos. Se trata de la opera prima de Darren Aronofsy, considerado hoy en día como un director de culto de cine independiente estadounidense. Y todas las máximas del cine de este tipo se ven reflejadas a la perfección en el largometraje: nulo presupuesto, cuatro decorados repetidos durante toda la película, actores que en muchos casos no son ni profesionales… y para terminar de enmarcarlo todo, la obra está íntegramente rodada en un blanco y negro muy sucio, contribuyendo a aumentar aún más esa sensación de producto “barato”.

“Pi” nos sumerge de lleno en la mente de Max Cohen, un solitario matemático especializado en computadoras y obsesionado con hallar el modélo estadístico que sigue la bolsa. Sus controvertidas investigaciones harán que pronto comiencen a aparecer en su vida una serie de oscuros personajes altamente interesados en los beneficios que de éstas se pudieran obtener. El caos que todos estos elementos ocasionarán en Max harán que su equilibrio psicológico se vaya debilitando por momentos, llegando a rozar la locura.

Gracias a un magistral trabajo de fotografía y a la bizarra banda sonora, el director consigue hacer que el desequilibrio mental del protagonista llegue a transmitirse al espectador de una forma total. Verdaderamente hay momentos de la película en los que sentiremos que nosotros mismos estamos locos (quienes hayáis visto “Requiem por un sueño”, otra genialidad de este mismo director, entenderéis de qué os estoy hablando). Los muchos minutos de voz en off con las reflexiones matemáticas, filosóficas y personales del anti-héroe contribuyen en gran medida a esto. La paranoia y la realidad se mezclan indiscriminadamente a lo largo de la película, sin que ésta haga un especial esfuerzo por aclarnos en qué punto nos encontramos.

En definitiva, una película muy difícil de ver, mentalmente violenta por momentos, pero al mismo tiempo interesante como pocas. Está claro que semejante propuesta sólo gustará a unos pocos (por eso lo llaman cine “alternativo”, claro), pero si crees que te cuentas entre ellos, no dudes ni un segundo en lanzarte a conseguir una copia de este peliculón. Cuando termine te quedarás con más dudas que cuando empezó, pero creo que eso es uno de sus puntos fuertes. Cine que da que pensar, qué bien tan escaso y tan mal valorado.

Por todas las razones que anteriormente he expuesto, ésta es una de esas películas que o la amas, o la odias. En cualquier caso, merece la pena que le deis una oportunidad para comprobar en cual de dichos polos os situaríais vosotros.

Escrito por Gallego el 19 Mayo 2006

Me resulta altamente difícil ponerme a hablar de esta grandiosa obra maestra del cómic, pues tengo la sensación de que todos los elogios que pueda hacerle se van a quedar cortos. “Akira”, que empezó a publicarse en Japón en el año 1984, y no se vio concluido hasta 1993, pasará a la historia por ser el primer manga que consiguió triunfar (y de qué manera) en Occidente. A dicho éxito en Estados Unidos y Europa contribuyó el lanzamiento, en el año 1989, de una espectacular adaptación cinematográfica sin precedentes en el cine de animación. Dado que dicha película se lanzó antes de que Otomo hubiera conluido la línea argumental del manga, cada versión presenta un final diferente.

Probablemente muchos de vosotros hayáis visto la película, y la consideraréis incomprensible e incoherente por momentos, pero la razón de ello es que el manga es tan tremendamente inmeso y está tan pleno de detalles, que intentar sintetizarlo todo en dos horas de cine es sencillamente imposible. “Akira” cambió el cómic japonés como tal, y hoy en día todo aquel que se haga llamar seguidor de este arte deberá contar con esta obra en su biblioteca, o al menos haberla leído una vez.

La historia que se nos cuenta en “Akira” varía mucho a lo largo de los 6 tremendos tomos en los que actualmente puede ser adquirida la obra, y pretender hacer una sinopsis resulta poco menos que una quimera. Este manga nos cuenta las vidas de decenas de protagonistas en un futurista Neo Tokyo reconstruido después de que, durante la Tercera Guerra Mundial, lo que pareció ser una bomba estallara en el mismo centro de la ciudad. En dicho futuro post-apocalíptico el caos y el miedo reinan en las calles de la ciudad, y los jóvenes se agrupan en bandas moteras con el único fin de buscar una evasión a la realidad en la violencia y las drogas.

Kaneda es el líder de una de esas bandas que, tras sufrir un accidente en la zona donde años atrás se produjo la devastadora explosión, comenzarán a verse envueltos en extraños sucesos en los que el gobierno de la ciudad, los militares, facciones rebeldes y extremistas religiosos empezarán a levantar un gran revuelo haciendo alusión a un único y misterioso nombre: Akira.

¿Qué o quién es Akira? ¿Qué relación tiene con la explosión que destruyó a la antigua Tokyo? ¿Por qué todo el mudo anda buscándole? Durante más de 2.000 páginas, Otomo nos hará vivir de forma terriblemente cruda y realista una historia que, especialmente a partir del tercer tomo, comenzará a adquirir unos tintes épicos como nunca habéis visto antes. Viñeta tras viñeta, nos veremos inmersos en un guión que combina de forma totalmente indiscriminada los conceptos más realistas con ideas totalmente fantásticas, al más puro estilo japonés.

Prácticamente todas las facetas del ser humano se verán reflejadas en las páginas de esta obra: la amistad, la ambición, el amor, la violencia, la religiosidad, el sexo, la envidia, la política, la codicia… La realidad humana llevada al extremo, llegando a rozar el hiperrealismo gracias al impresionante trabajo artístico realizado por el autor. Un trabajo sencillamente magistral en el que podremos sentir un Neo Tokyo vivo y totalmente creíble gracias a la infinidad de detalles que poblarán cada viñeta.

Realmente, poco más puedo comentar que no se haya sido dicho ya acerca de esta pieza maestra del cómic. Como ya he dicho antes, actualmente la obra está publicada por Ediciones B en seis tomos a un precio de 15′50 € cada uno, en el blanco y negro original (en Estados Unidos se editó en color) y con dirección de lectura japonesa. Puede resultar un poco caro, pero os puedo asegurar que lecturas como ésta compensan sobradamente el dinero que invirtáis en ellas.

Valoración final:

Puede que alguno de vosotros se eche las manos a la cabeza a la vista de semejante puntuación, pero eso es porque no habéis tenido la suerte de leer este inigualable manga. No podrás llamarte a ti mismo otaku hasta que hayas recorrido sus páginas.

Escrito por Gallego el 18 Mayo 2006

Últimamente parece que en el mundo de la música todo suena a lo mismo, todos los discos que salen al mercado parecen hechos a molde, siguiendo los patrones previamente marcados por grupos ya desaparecidos. ¿Alguien es capaz de decir un solo disco verdaderamente innovador que haya sido editado en la última década? Pues lo hay, y encima es muy bueno.

El conjunto estadounidense The Mars Volta lanzó su primer trabajo, titulado “Tremulant”, en el año 2002, y con el lanzamiento de sus dos albums posteriores han conseguido convertirse en el grupo de rock alternativo más importante del mundo. La confirmación definitiva de este hecho se produjo con la publicación de Frances The Mute el año pasado. Como toda la obra de estos genios, puede resultar innacesible en una primera audición, pero tras darle unas cuantas oportunidades, este disco nos brinda una de las maravillas artísticas más atractivas y refrescantes que vais a poder disfrutar.

The Mars Volta no puede ser encasillado en un solo género, pues la lista de fuentes de las que beben es tan amplia y tan variada que ni siquiera ellos mismos son capaces de precisar qué es lo que tocan. Desde el rock psicodélico de los primeros trabajos de Pink Floyd, hasta tendencias más vanguardistas como los Beastie Boys, incorporando de manera indiscriminada ritmos de jazz, salsa y electrónica. Si no los has escuchado nunca, el oír hablar de semejante mezcla puedo sonar hasta aberrante, pero te puedo garantizar que cuando oyes cómo esta gente realiza su trabajo, sólo puedes quitarte el sombrero y aplaudir.

En este disco que estamos tratando está basado en un diario que uno de los integrantes del grupo encontró de forma accidental en la parte trasera de un coche abandonado, en el cual su autor narra la atormentada búsqueda de sus padres. Un planteamiento surrealista de por sí, que se ve acentuado por unas canciones larguísimas capaces de combinar momentos de descontrol musical con varios minutos de mero ritmo ambiental. Todo ello perfectamente bien dirigido por unos verdaderos virtuosos que demuestran, nota tras nota, que hoy aún se puede inventar en este arte.

Especialmente curiosas resultan las letras en inglés, a las que se le añaden frases en castellano aparentemente inconexas y carentes de significado. Tanto éstas, como la inclusión de instrumentos que podrían parecer fuera de lugar en un disco de rock contribuyen a hacer de éste un compacto extraño, imaginativo, pretencioso y tremendamente delicioso.

Valoración final:

Hace falta una mente muy abierta en lo que a gustos musicales se refiere para acercase a esta obra. Pero si estás dispuesto a darle una oportunidad a un disco tan sorprendente como gratificante, Frances The Mute te demostrará que no todo está inventado.

Escrito por Gallego el 16 Mayo 2006

Siempre he sentido aversión por todo lo que lleve el sello de la factoría Disney, es algo superior a mí. En todos sus años de historia sólo salvaría “Pesadilla antes de Navidad”, y porque es de quien es. Y este sentimiento de rechazo hacia la productora estadounidense no hizo sino multiplicarse cuando descubrí a Ghibli, el estudio cine de animación infantil-juvenil más importante de Japón. Dicho grupo fue fundado en 1985 por el genial director y escritor Hayao Miyazaki, y desde entonces han producido o colaborado en casi una veintena de películas, a cual más maravillosa, imaginativa y espectacular.

Un año después de su estreno en Japón, el pasado mes de Marzo llegó hasta nuestras salas la última pieza de magia salida de la barita del genio de Miyazaki: “El castillo ambulante”, basado en una novela de Diana Wynne Jones llamada “Howl’s moving castle”. La protagonista del filme es Sophie, una joven sombrerera que tras conocer al misterioso mago Howl, cae presa de un conjuro que la convierte en una anciana. Ante la imposibilidad de poder decir nada a su familia y amigas, decide abandonar su casa en busca del misterioso castillo en el que habita Howl, con el fin de poder conseguir la ruptura de su maleficio. Una vez en él, comienza a descubrir los increíbles secretos que este castillo capaz de desplazarse oculta, así como los secretos que guarda el enigmático Howl.

A partir de este onírico planteamiento, muy en la línea de los estuidos Ghibli, comienza a desarrollarse una historia que desborda fantasía y belleza por los cuatro costados, tanto en su argumento como en su preciosista dibujo. A esto último contribuye sin duda alguna el hecho de que este estudio japonés aún siga realizando absolutamente todos sus dibujos a mano, nada de las modernas técnicas digitales que muchas veces no hacen más que afear y restar sentimiento a las películas animadas.

Aunque la película llega a hacerse algo lenta por momentos, y en ocasiones recuerde excesivamente a anteriores obras del propio Miyazaki como “El viaje de Chihiro” o “Laputa, el castillo en el aire”, la preciosa historia consigue despertar nuestro interés rápidamente y éste no nos abandonará hasta el mismo final. Y es que, como es habitual en las películas de esta gente, los personajes que protagonizan el filme conseguirán generar en nosotros tal apego que no podremos alejarnos de la pantalla hasta saber cómo se resolverán sus historias.

Tanto si ya conoces (y adoras) el trabajo de Miyazaki, como si aún no has tenido la suerte de acercarte a él, debes ver esta emotiva y fantástica historia de aventuras recién llegada del país del sol naciente.

Escrito por Gallego el 15 Mayo 2006

Para la música siempre he sido de esos cerrados de mollera que piensan que “cualquier tiempo pasado fue mejor”. Soy incapaz de creer que hoy en día alguien vaya a poder superar a grupos ya extintos o en estado comatoso como Pink Floyd, Led Zeppelin, Nirvana, y un larguísimo etcétera. En estos tiempos que corren salen millones de discos al año, algunos realmente cojonudos y currados al extremo. Pero no puedo dejar de pensar que la música de hoy en día no es capaz de transmitir las mismas sensaciones que la de antes.

Pero por suerte, hay contadas excepciones que emergen cada mucho tiempo entre la montonera de lanzamientos para hacerme ver que todavía puedo mantener mi fe en la música como arte. Aunque lo cierto es que si tenemos en cuenta la gente que hay detrás de este “super group” de rock progresivo, esto no resulta tan sorprendente: Jim Matheos (Fates Warning), Kevin Moore (ex Dream Theater), Joey Vera (Anthrax) y el grandioso batería Mike Portnoy (Dream Theater), además de otros muchos colaboradores igualmente importantes. Un lujoso tándem de curioso nombre (OSI son las siglas de Office of Strategic Influence) que ya me sorprendió muy gratamente con su primer trabajo, homónimo al grupo.

Tres años después, y sin hacer mucho ruido, como es habitual en estas gentes, el super grupo se ha vuelto a reunir para deleitarnos con el que, en mi opinión, ha resultado ser el mejor trabajo que he escuchado en meses, si no años. Bajo un título tan simple pero atractivo como es “Free” se esconde un discazo como la copa de un pino, aunque algo irregular por momentos. La calidad de las once canciones que lo conforman varía mucho, y así nos encontramos piezas verdaderamente magistrales como “Sure You Will” (la mejor canción del compacto en mi opinión), “Kicking” o la propia “Free”; pero por contra encontramos temas algo menos llamativos como “Our Town”. En cualquier caso, el nivel de todas las composiciones es altísimo.

Me sería imposible describir con pocas palabras la maravillosa música que encierra este disco, ni daros una referencia válida para que podáis comparar. Se trata de un rock progresivo que puede llegar a sonar a la vez tan moderno como Dream Theater y tan clásico como Pink Floyd, tan contundente como Opeth y tan armonioso como Asia. Lo que es seguro es que no habéis oído nada igual. Si os gusta verdaderamente el rock progresivo, debéis de oírlo. Aunque eso sí, dado lo particular que resulta, puede que acabéis por amarlo o por odiarlo. Yo os puedo decir que desde que me hice con él hace unas pocas semanas no sé ni la cantidad de veces que lo he puesto en mi equipo ya, pero no me canso de él. Y cada vez que me lo pongo descubro algo nuevo en lo que había caído antes, algún pequeño detalle dentro de un complejo esquema compositivo que me hace cuanto menos sonreír pensando que lo mejor no es siempre cosa del Pasado.

Valoración final:

Sé que puede sonar pretencioso, pero creo poder decir que éste es, en mi muy humilde opinión, el mejor disco editado en lo que llevamos de año. Una propuesta que resulta a un tiempo atípica y tradicional, pero que en cualquier caso ha conseguido devolverme las sensaciones que sólo creía que transmitían los discos de rock anteriores a mi nacimiento. Gracias por seguir considerando a la música un arte.

Escrito por Gallego el 14 Mayo 2006

Hollywood es la factoría de lo políticamente correcto, en la cual el dinero es siempre la mejor censura ante asuntos tan espinosos como la crítica política. Por ello, resulta tan raro como gratificante ver cómo un producto salido directamente de esta tierran es capaz de mostrar de forma tan directa críticas en un asunto que en los USA resulta siempre tan delicado. La tierra de la libertad creo que la llaman.

Aunque por desgracia (al menos en nuestro país) este filme de James McTeigue se está vendiendo al público como un subproducto más de acción descerebrada de los que todos conocemos sobrados ejemplos, nada más lejos de la realidad. Se trata de la adaptación de una conocida historieta de Alan Moore en la que han participado los archiconocidos hermanos Wachowski, directores y guionistas de la trilogía The Matrix. Por cierto que el propio Moore ha expresado recientemente su grandísima decepción con la obra, pero creo que dichas críticas resultaron excesivas.

La película nos presenta una Inglaterra futurista sumida en un estado fascista totalitario, al que un enmascarado que se hace llamar simplemente V se propondrá poner fin. Un planteamiento ya de por sí interesante, que irá ganando valor conforme avance la trama, la cual gira en torno a sus dos personajes protagonistas, representados por el siempre notable Hugo Weaving y Natalie Portman. Nunca ha terminado de gustarme esta actriz, pero he de reconocer que en este papel la chiquilla hace un muy buen trabajo.

Especial mención merecen la cantidad de citas para el recuerdo que se dejan caer a lo largo de la película, muchas de ellas para anotarlas. Es cierto que el interesantísimo tema tratado podía haber dado muchísimo más de sí, ya que en muchos aspectos la película se limita a quedarse en la superficie, sin profundizar excesivamente no sé si por falta de ganas o de buscarse problemas. Pero eso no quita para que sea merecedora de un visionado, porque la calidad general de la película resulta bastante alta.

Valoración final:

Una de esas películas que te sorprenderá si no sabes qué es lo que vas a encontrarte antes de verla. No es el thriller político definitivo, pero te entretendrá y te dará que pensar (lo cual resulta muy raro últimanente).

Escrito por Gallego el 12 Mayo 2006

Reconozco que mi biblioteca no está precisamente a rebosar de novelas gráficas, y si esto es así no es por falta de ganas, sino de dinero. Pero a pesar de todo, hay un pequeño número de obras que todo el mundo debería tener o, al menos, haber leído alguna vez en su vida. Y Maus es, sin duda alguna, una de ellas. ¿Otra obra más sobre el holocausto nazi? Efectivamente y no. Es cierto que este cómic trata sobre un tema aparentemente tan trillado como es el de los judíos en los campos de concentración durante el Tercer Reich, pero la óptica desde la que éste es tratado resulta completamente diferente a cualquier cosa que hayáis leído, visto u oído antes.

En esta obra Art Spiegelman nos relata de primera mano la historia real de su padre Vladek, un judío polaco que se vio obligado a sobrevivir durante la Segunda Guerra Mundial. Paralelamente, Art nos cuenta la actual relación con su progenitor, en la que podemos ver cómo las secuelas de tan nefasto momento de la historia han podido llegar a marcar a un hombre para siempre. Lo más llamativo de Maus (”ratón” en alemán) es que todos los personajes están representados por animales, como una metáfora del papel que cada grupo étnico representó dentro de la guerra. Así, los judíos están representados por ratones, mientras que los nazis son gatos, los estadounidenses perros, los polacos son cerdos, etc. Tremendamente descriptivo.

El dibujo de esta novela gráfica es de ese estilo que encantará a algunos (entre ellos yo) y desquiciará a otros, pero en cualquier caso resulta perfecto para la temática que trata. Completamente en blanco y negro, muy simple e irregular por momentos, pero de muchísima calidad. De hecho le mereció una exposición en el prestigioso MOMA (Museo de arte moderno) de Nueva York. Pero no es éste el único reconocimiento que la gran obra de Spiegelman ha recibido, pues Maus tiene el honor de haber sido la primera novela gráfica en recibir el premio Pulitzer, en 1992. Ahí es nada.

La obra consta de dos partes, aunque actualmente se distribuyen en un solo tomo de 296 páginas editado por Planeta De-Agostini, y no deberíais tener el más mínimo problema para encontrarla en vuestro suministrador habitual.

Valoración final:

Interesante, muy interesante. Seas o no aficionado a la novela gráfica, si te atrae la temática, es una obra imprescindible.