Escrito por Gallego el 09 Agosto 2007

Lo que uno suele buscar en una película es, princpipalmente, un buen argumento, una historia que resulte lo suficientemente interesante para mantenernos atentos a la pantalla durante una, dos o más horas. El resto de elementos ya pueden flojear más o menos, pero si la historia es sólida, merecerá la pena. Sin embargo, aquí tenemos un ejemplo que viene a contradecir esa premisa.

Y es que el transcurso de la trama detrás de esta película del Giuseppe Tornatore menos sensiblón apenas da para mantenerse sobre mí mismo, plagado de ambigüedades pretendidas que emborronan una cinta que podría haber quedado mucho mejor a ese respecto. ¿Pero qué hace sin embargo de esta una película muy recomendable? Sin duda, el grandísimo duelo interpretativo que mantienen sus dos protagonistas: Gerard Depardieu y Romans Polanski.

El primero, un escritor de fama internacional que ha sido encontrado en plena noche huyendo cerca de la escena de un homicidio en un remoto pueblo de provincia, y el segundo el comisario de policía que se encargará de interrogar al sospechoso, con la sorprendente coincidencia de que es un ferviente seguidor de su obra. Todo ello en una cochambrosa comisaria de policía que es casi tan protagonista como los actores.

A partir de aquí, se desarrolla un frenético duelo en el que la magistral actuación de estos dos monstruos sólo se ve interrumpida por la intervención de algunos pocos protagonistas secundarios y por las inclemencias climáticas. Pero nada más que eso, nada más que ellos dos, entablando una lucha dialéctica con la comisaría como único escenario, en la que el astuto investigador y el confundido escritor juegan constantemente al ratón y al gato.

Una puesta en escena sencilla y claustrofóbica, muchos y muy confusos flashbacks, una gran banda sonora del infalible Ennio Morricone y el resultado es una película que, aun apesar de esos cuantos puntos débiles en la historia, consigue sin embargo resultar un verdadero espectáculo para el espectador.

Valoración final:

‘Pura Formalidad’ es una gran película, intensa hasta el último momento aun apesar de su modesto planteamiento, gracias al sublime trabajo de los dos protagonistas y a la gran labor realizada en la ambientación del film. Sin embargo, a uno le queda la sensación de que podría haber dado mucho más de sí, de no ser por esos momentos en los que la trama parece ir hacia atrás en vez de adelante, los cuales tienen pinta de ser más bien intencionados y no simples deficiencias.

Escrito por Gallego el 03 Agosto 2007

Quien haya ido conmigo recientemente al cine me habrá oído quejarme del tiempo que llevo sin pagar por entrar a una sala para ver una buena película (mi última visita, para ‘Los Simpsons’, que no calificaré como decepción pues es exactamente el bodrio que me esperaba), pero eso es porque en su momento se me escapó una película tan genial como ésta

Por suerte, la adaptación de la novela homónima de la escritora británica P.D. James ha llegado a mis manos unos meses después de su estreno en cines, bajo el manto de multitud de recomendaciones de todo tipo, con el consiguiente peligro que eso supone. Por suerte, el filme está a la altura de las buenas palabras que he podido oír y leer sobre él.

Ni por un segundo correremos el riesgo de vernos inmersos en la arquetípica película de ciencia ficción con ambientaciones distópicas que abundan como chinches, encontrando en su lugar un largomentraje bastante inteligente en su planteamiento y muy sólido en su desarrollo, en el que llegaremos a disfrutar de escenas verdaderamente brillantes.

Clive Owen toma el papel del protagonista, quien intentando escapar de su pasado como activista, se verá de nuevo inmerso en los asuntos del grupo terrorista que encabeza su ex-pareja, el cual intenta combatir la desesperada situación de un Reino Unido que, sometido a una dictadura fascista, se mantiene como último país medianamente estable en un mundo que se ha visto sacudido por una inexplicable plaga que ha provocado la infertilidad de toda la raza humana.

La ayuda para la que el protagonista será solicitado será la de conseguir la salida del país de una mujer que ha conseguido quedar embarazada por primera vez en diecinueve años, convirtiéndose ésta en una valiosa moneda de cambio que todos quieren poseer. Sí, el planteamiento argumental pinta genial, y el trabajo del director mexicano Alfonso Cuarón consigue hacerlo interesante y consistente hasta el último minuto de la cinta.

Especialmente llamativos se me hicieron los numerosos guiños que salpican el largometraje, en particular al momento en que podemos ver al famoso cerdo aeroestático de la portada del ‘Animals’ de Pink Floyd que siempre he considerado como mascota de este blog, y que fue además el primer banner que tuvo. Y verlo mientras suena de fondo King Crimson ya es motivo más que suficiente para ver esta película.

Valoración final:

Una película de ciencia-ficción muy buena, a pesar de lo bien que se habla de ella, y cuyo interesante argumento la hace recomendable aun para quienes no sean seguidores de este género cinematográfico. Una razón para seguir teniendo esperanzas en poder ir al cine sin acabar maldiciendo al salir de la sala.

Escrito por Gallego el 27 Mayo 2007

Según comentan en una de las escenas de esta película, la cual a su vez está basada en la novela homónima de Ray Bradbury, cuya lectura aún tengo en mi lista de asuntos pendientes, a 451 grados Fahrenheit (unos 233º grados Celsius) es la temperatura en la que el papel de los libros empieza a arder. Y lo cierto es que es un nombre que define bastante bien la temática de la obra.

La película nos sitúa en una distopía, esto es, una utopía en la que los resultados hipotéticamente ideales son en realidad nefastos, donde cualquier forma de expresión cultural escrita se ha convertido en algo terminantemente prohibido y duramente perseguido por la ley. Para ello, incluso se ha creado una unidad de bomberos cuya función es bastante contraria a la que este cuerpo de protección tiene para nosotros: se dedican a quemar libros.

Centrándose en uno de estos bomberos como protagonista, este clásico de la ciencia-ficción adaptado al celuloide por François Truffaut, consigue resultar aún hoy tan actual o más que en su estreno hace más de cuatro décadas, planteando la terrible situación a la que puede verse abocada la sociedad si se dedica a abandonar la cultura en favor de la televisión y otros inventos que surgirían posteriormente al rodaje de este largometraje.

Un grito de libertad casi desesperanzado el que nos lanza la película, cuya estética ha podido quedar algo desfasada, pero que como ya he dicho encierra un mensaje que difícilmente podría resultar extraño a nadie hoy en día, todo ello narrado de una forma verdaderamente notable por el director, incluyendo una serie de planos cargados de simbolismo, especialmente aquéllos en los que se ven libros ardiendo.

Como único punto flaco le pondría el del tratamiento de personajes, pues aunque el protagonista y un par de figuras más sí que cuentan con papeles intensos y muy bien llevados, el resto actúan casi como comparsas, aportando poco o nada a la trama, y dando la sensación de quedar completamente desaprovechados. Un mejor trabajo en este aspecto hubiera dado como resultado un filme redondo.

Valoración final:

Ésta es sin duda una de esas películas que te dan que pensar, aunque sin resultar en absoluto excesivamente densa o complicada. Capaz de presentarse a un mismo tiempo altamente simbólica y dinámica, cosa que no es para nada habitual, conformando un largometraje verdaderamente recomendable.

Escrito por Gallego el 12 Abril 2007

¿Qué ocurre si juntamos al excéntrico director David Lynch con la tradicionalista productora Disney? Pues que obtenemos una película francamente buena, totalmente alejada del psicodélico repertorio del creador de ‘Dune’ o ‘Mullholland Drive’, entre otras, pero no por ello de peor factura. Con ‘Una historia verdadera’ encontramos al Lynch más llano y entendible, pero igualmente sublime.

Se trata de una road movie, esto es, una película que se desarrolla a través de un viaje en carretera, pero no en los vehículos que tradicionalmente son el eje central de este género, como coches o motocicletas, sino que en esta cinta el anciano protagonista recorrerá cientos de kilómetros encima de un cortacésped para visitar a su hermano, con el que lleva una década sin hablar por una vieja pelea.

A pesar de lo surrealista del planteamiento, el film está basado en una historia real (los norteamericanos son así), y a la hora de verla no resulta tan cómica como pudiera parecer, sino que nos encontraremos ante un drama intenso y patético por momentos, apoyado fundamentalmente en la magistral actuación del difunto Richard Farnsworth, quien encarna al maltrecho y plomizo anciano de una forma que llega a poner los pelos de punta en ciertas ocasiones.

El desarrollo general de la historia es francamente sencillo, limitándose a relatarnos las situaciones más o menos curiosas con las que se irá encontrando Alvin Straight, el protagonista, durante su curioso viaje por la América profunda, muchas de ellas resueltas con la moraleja facilona de turno (y aquí es donde se nota la mano de la Disney). Pero tranquilos, que la película no se deja caer en el sentimentalismo barato.

Una historia que se mueve casi tan lenta como el singular vehículo que conduce el protagonista, pero que resulta al mismo tiempo bella y sencilla, sin caras bonitas entre el reparto, ni frases para el recuerdo, con los estereotipos justos para ir tirando y la capacidad de calar hasta lo más hondo en cualquier espectador.

Valoración final:

Quienes conozcan otras obras de Lynch deberán olvidarlas cuando se dispongan a ver este largometraje, sin duda el menos extraño de su carrera. Pero mereció la pena el cambio de registro, para así poder disfrutar de esta historia conmovedora, algo moralista por la vía fácil, pero muy recomendable en cualquier caso.

Escrito por Gallego el 10 Marzo 2007

Sorprendente y altamente interesante la última propuesta del ahora director Clint Eastwood, quien con sus dos últimas películas ha querido narrar una misma batalla, la de la conquista de Iwo Jima durante la Segunda Guerra Mundial, desde los puntos de vista enfrentados de sus dos contendientes: la superpotencia invasora estadouniense, frente a la modesta defensa japonesa.

Por un lado, ‘Banderas de nuestros padres’ es una ácida mirada a la actitud norteamericana ante los sucesos acontecidos durante la conquista de la isla, centrándose en la enorme manipulación que tuvo lugar a través de la célebre fotografía que se tomó durante la batalla, con seis soldados estadounidenses izando la bandera de su país en lo alto del monte Suribachi.

Por contra, ‘Cartas desde Iwo Jima’, pretende ponernos en la piel de los sufridos soldados nipones, quienes sin apenas agua, municiones suficientes, ni ningún apoyo de la armada, hubieron de defender ese pequeño trozo de tierra sagrada en medio del océano, durante interminables días de batalla. Esta película está rodada íntegramente en japonés con subtítulos, excepto cuando habla algún americano en inglés, dotándole de un realismo y pasión impresionantes.

Después de haber visto ambas películas seguidas, he llegado a la conclusión de que lo mejor es realizar un análisis conjunto de ambas, pues aunque bien es cierto que pueden verse perfectamente por separado sin el más mínimo problema, creo que la forma de apreciar al máximo su valor es considerándolas como parte de un mismo todo. El orden de visionado creo que ya es lo de menos, aunque personalmente puedo decir que empecé por la versión americana de los hechos.

Las diferencias entre ambos largometrajes no se limitan al apartado argumental, pues la estética, el ritmo narrativo y el estilo en general difieren mucho entre ambas. Así, ‘Banderas de nuestros padres’ se nos presenta como un film visiblemente más próximo al estilo industrial norteamericano, mucho más directo y conciso, mientras que ‘Cartas desde Iwo Jima’ se inspira claramente en el estilo cinematográfico oriental, notablemente más lento, con planos cargados de simbolismo y siempre dando mucho más pie a la subjetividad del espectador.

Una diferencia muy evidente también entre ambas obras es la de la fotografía, mucho más oscura y por momentos casi monocromática en la versión japonesa, mostrando así cómo esta batalla tuvo un desarrollo y una conclusión mucho más brillante para los norteamericanos. Ambas películas intercalan para los papeles protagonistas a actores medianamente conocidos, con otros nada habituales, aunque en general todos realizan un trabajo francamente bueno, especialmente los del lado oriental.

‘Banderas de nuestros padres’

De las dos, esta es la película que menos se centra en el aspecto bélico de la batalla de Iwo Jima, y de hecho las escenas en la isla son minoría, transcurriendo gran parte del largometraje en los Estados Unidos. A pesar de lo que pudiera parecer por su título, no es ésta una obra destinada a ensalzar el orgullo patriótico, sino más bien al contrario, criticando sin contemplaciones las manipulaciones que los gobernantes de aquel país realizan para sacar sus guerras adelante. Muy interesante, aunque resulte la menos intensa de las dos.

‘Cartas desde Iwo Jima’

Ésta sí que puede considerarse como una película bélica en su totalidad, aunque su profundidad e intensidad emocional la alejan de muchas de otras obras del género. Narrada con un estilo mucho más oriental, lo que no será del agrado de todos, éste es en mi opinión el mejor largometraje de los dos, mostrando de una manera desgarradora la durísima situación de los soldados del ejército japonés, quienes ya sabían que morirían antes de desembarcar en la isla. El ritmo resulta un poco irregular por momentos, pero su factura general es impecable.

Escrito por Gallego el 24 Febrero 2007

Hay cosas con las que uno alucina, pues no se sabe si pretenden llamarnos tontos a la cara, o qué. Resulta que los cineastas Quentin Tarantino y Robert Rodríguez, para los que sobra cualquier presentación, han decidido unir sus fuerzas para la creación de doble sesión de cine llamada ‘Grindhouse’, en la que se emitirán de forma continuada una película dirigida por cada uno de ellos.

En dicho proyecto, que se estrenará el próximo 6 de Abril en Estados Unidos, encontraremos primeramente ‘Planet Terror’, la película que corresponde a Rodríguez, y en la que Rose McGowan encarnará a una stripper que perderá una pierna al ser atacada por un monstruo, y que decidirá injertarse una metralleta a modo de prótesis para vencer al ataque de los mutantes; a continuación, se emitirá el largometraje de Tarantino, titulado ‘Death Proof’, una parodia-tributo al cine de terror de tipo slasher clásico.

Aunque sean dos largometrajes separados, sus directores han insistido en que su objetivo es que sean vistas como una unidad, algo en lo que se insisten tanto en los videos de la película, como en todos los posters y material de cualquier tipo que se ha distribuido sobre ella. Para conectarlas, se han rodado trailers de películas ficticias que se emitirán entre ambas, y en los que aparecerán artistas como Nicolas Cage o Rob Zombie. Hasta aquí todo bien.

El problema viene cuando, leyendo esta mañana *gonzolog, descubro que en España, que somos muy listos, hemos decidido que es tontería cobrar una vez, pudiendo cobrar dos, por lo que ambas películas se emitirán de forma separada en las salas de nuestro país. Así, una obra claramente pensada por sus autores para ser visualizada de forma íntegra, será segmentada para poder sacarle todo el dinero posible.

De ofensiva que resulta la propuesta, casi da risa. Pero en respuesta a la decisión de Aurum, ya ha surgido una campaña para conseguir que la obra no sea adulterada de semejante forma, por medio de una petición online en la que bien podríais dejar vuestra firma si consideráis que esta idiotez no debe ser llevada a cabo. Para acceder a la misma, simplemente clickad en la imagen, y dejad vuestro nombre y dirección de correo, además de un comentario si así lo desáis:

Para aquellos que piensen que todas estas campañas son chiquilladas que no sirven para nada, deberíais saber que hace unos meses se inició una propuesta similar para hacer que la reedición de ‘ICO’, un juego de PlayStation 2, llegara a España a pesar de que Sony se negaba a ello, y finalmente lo consiguieron. Con mi firma se han llegado a las 1.806, ¿por qué no te animas?

Para cerrar el artículo, os dejaré con el tráiler que se ha publicado de la película, en el que veréis que se insiste varias veces en la idea de que las dos películas forman una única obra, y que están hechas para ser vistas de forma continuada. Por cierto, tienen pinta de ser verdaderamente llamativas, en la línea a la que estos dos genios nos tienen acostumbrados:

Escrito por Gallego el 18 Febrero 2007

Hay que ver lo mucho que puede llegar a engañar un nombre, y el grave error que puede ser prejuzgar a una obra por el título que sus creadores tuvieran a bien ponerle. Y es que al leer el nombre de este largometraje, cualquiera podría caer en el error de pensar que estamos tratando con uno más de los facilones bodrios con que la industria cinematográfica americana nos bombardea, año tras año.

En lugar de eso, nos encontramos ante una película francamente diferente a lo habitual, en absoluto transgresora, pero sí lo suficientemente fresca como para poder verla de principio a fin sin llegar a temer en ningún momento que pueda caer en los clichés facilones de la comedia familiar de hoy en día. De hecho, más bien lo que Jonathan Dayton y Valerie Faris, sus directores, pretenden, es burlarse de dichos convencionalismos, aunque sin llegar resultar por ello totalmente críticos.

Y para conseguirlo, sin duda el mejor arma con el que cuentan es el elenco de personajes que protagonizan la obra, tan particulares que resulta imposible no reírse al verlos juntos: el padre fracasado que da cursos sobre el éxito personal, el abuelo que esnifa cocaína, el tío gay que intentó suicidarse tras ser abandonado por su amante, el hijo que ha hecho voto de silencio para entrar en la escuela de pilotos, la hija más bien normalita que pretende ser reina de la belleza y la madre que debe cargar con todos. Una familia desequilibrada donde las haya, perfectamente encarnada por los actores elegidos para cada papel.

Ante la inesperada selección de la pequeña Olive para participar en el concurso Pequeña Miss Sunshine, que se celebra a miles de kilómetros del hogar de la familia, éstos se verán abocados a iniciar un viaje de tres días en una vieja furgoneta Volkswagen de las de toda la vida, durante el cual sufrirán lo indecible para llegar hasta California y cumplir el sueño de la niña.

A pesar de que los diálogos pueden resultar algo repetitivos en algún momento, con frecuencia conseguirán arrancarnos alguna que otra risa, y las esperpénticas situaciones que se producirán durante el trayecto resultarán a un mismo tiempo divertidas y lamentables, oscilando así de forma brusca entre la alegría y la pena, sin resultar por ello el guión nada forzado o brusco.

En general, la película está muy bien llevada por sus creadores, y supone un ligero soplo de aire fresco para quienes ya estén cansados de ver cómo este género (y otros tantos) han sido trillados de forma sistemática por Hollywood. No se trata de la comedia definitiva, y tampoco pasará a la historia como una gran road movie, pero sí resulta lo suficiente interesante como para divertirnos sin recurrir a lo mismo de siempre.

Aunque uno no pueda evitar tener la sensación tras ver esta película de que se queda a mitad de camino en su intención de resultar crítica, sus bondades como comedia capaz de divertir a todo tipo de público quedan fuera de toda duda. Lo suficientemente diferente como para convencer a los ya cansados de ver siempre lo mismo, y todo lo sencilla que los aficionados a lo más convencional pudieran desear.

Escrito por Gallego el 10 Febrero 2007

Hace unos cuantos meses ya, era el mismísimo Hideo Kojima, padre de la saga de videojuegos de espionaje por excelencia, quien confirmaba que tras muchos años de húmedos sueños por parte de los fans, finalmente podríamos ver esta grandísima historia adaptada a la gran pantalla. Para mayor tranquilidad, también se confirmó que la película sería llevada a cabo por un gran estudio.

Pero lo cierto es que hasta ahora no se había vuelto a saber nada del tema, y yo empezaba a suponer que el proyecto caería en saco roto, como ya ha ocurrido con tantos otros del estilo. Por suerte o por desgracia (eso no lo sabremos hasta que visionemos el filme), vemos que lejos de haber quedado en el olvido, la idea sigue adelante con total fuerza, pues acaba de ser anunciado que la filial Sony Pictures será la productora encargada de hacerla realidad.

Poco se sabe sobre esta adaptación cinematográfica, a parte de que está siendo producida por Michael de Luca y el propio Kojima, pero nada confirmado sobre la historia en que se basará, el director que estará tras la cámara, o los actores que se encargarán de dar vida a los célebres personajes de la saga. Es cierto que esta clase de “experimentos” suelen acabar francamente mal, pero el hecho de que el creador del juego esté tras él nos permite darle un voto de confianza. A ver en qué queda finalmente.

En otro orden de cosas, cabe recordar que en estos momentos también están siendo portadas al cine otras conocidas sagas del mundo del videojuego, como ‘Halo’, la cual está siendo producida por Peter Jackson, ‘World of Warcraft’, siendo ésta realizada por las gentes de la Warner, y ‘EverQuest’, también a cargo de Sony Pictures. Entre tanta sangría de licencia, ¿saldrá algo bueno de todo eso?

Escrito por Gallego el 10 Enero 2007

Ya he comentado otras películas del director alemán Wim Wenders, como la onírica ‘El cielo sobre Berlín’, pero si hay una obra por la que siempre se recordará a este cineasta, ésa es ‘Paris, Texas’, convertida en una verdadera obra de culto, que ha servido como inspiración para artistas tan dispares como Kurt Cobain, U2, Nada Surf o Texas, banda que toma su nombre de la película.

Un largometraje que, como el resto de la obra de Wenders, se aleja de los convencionalismos narrativos del séptimo arte, pero que al mismo tiempo presenta unos esquemas profundamente clásicos, dando como lugar una mezcla que no resulta atractiva de ver para la gran mayoría del público, pero que guarda para quienes se atrevan a verla hasta el final una profundidad y una intensidad más propias de una novela escrita que de una película.

Marcada desde el principio por la desgarradora guitarra de Ry Cooder, la cual sobrevuela la película de forma imperceptible pero sublime con magistrales composiciones que han acabado por convertirse en piezas inolvidables, este lento largometrajo nos narrará la historia de Travis (encarnado por Harry Dean Stanton), un hombre que parece haberlo perdido todo, y camina sin rumbo fijo por el desierto de Texas, hasta caer desmayado en un pueblo de mala muerte.

Aunque esto que acabo de explicaros sólo son los cinco primeros minutos de película, realmente no resulta conveniente intentar aventuraros nada más del argumento que, por otra parte, se despliega de forma bastante lenta y hasta incomprensible en algunos momentos. A partir de ahí, decenas de escenas cargadas de sentimientos de vacío, pesadumbre y negatividad. Sólo algunos momentos puntuales consiguen desprender un poco de positividad entre el tono grisáceo que rodea todo el filme.

Contribuye a aumentar la sensación de desasosiego el elegante y sobrio trabajo de fotografía realizado, contando con algunos planos verdaderamente dignos de ser recordados. Después de largos minutos en los que el director no parece pretender nada más que hundir nuestra moral, con una historia que tarda bastante en adquirir coherencia, se nos regalará uno de los finales más sencillos pero intensos que se recuerdan y una obra que dificilmente podrá ser olvidada.

No es divertida, ni pretende serlo, pero ‘Paris, Texas’ es una de las películas más intensas que tendréis el placer de ver, si su poco convencional desarrollo no os consigue echar para atrás. Aparentemente sencilla, pero profunda como pocas, una verdadera obra maestra, y con una banda sonora sencillamente fantástica.

Escrito por Gallego el 08 Enero 2007

Cuando hace unos días dedicaba un artículo a comentar las que para mí son las obras más interesantes que se publicaran en este aún joven año, incluía en la lista de películas a ‘300′ la última de las adaptaciones cinematográficas basadas en los comics de Frank Miller, la cual llegará a Estados Unidos en Marzo, y sin fecha confirmada aún para el resto del mundo.

En este largometraje, que promete convertirse en uno de los más espectaculares que se han visto en mucho tiempo, a la vista de los trailers e imágenes del mismo que ya se han publicado, se narrará la épica historia de cómo 300 guerreros hoplitas de Esparta combatieron y vencieron en la batalla de Termópilas frente a cientos de miles de soldados del ejército persa, una de las gestas bélicas más conocidas de la antiguedad.

La adaptación a la gran pantlla está siendo dirigida por el poco conocido Zack Snyder, y los papeles principales están siendo encarnados por Gerard Butler, Lena Headey y David Wenham. Los cuatro nuevos posters, que acaban de ser publicados en la web Empire, resultan verdaderamente atractivos. Podéis verlos a mayor tamaño clickando en ellos:

Pero por si os habéis quedado con ganas de más, voy a cerrar el artículo con el genial tráiler que ya se publicó hace un tiempo, pero al que igualmente merece la pena echarle un ojo, lo hayáis visto ya o no. Por mi parte, voy a hacerme con el cómic para poder leérmelo antes de ir a ver la película al cine, y prometo publicar un análisis con mis impresiones en cuanto lo haya leído. Mientras tanto, disfrutad del vídeo: